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PLAYBILL FOCUS: come Bob Fosse ha cambiato il ruolo degli ensemble nei Musical

Non esiste un coreografo teatrale più associato al proprio stile unico di Bob Fosse. Il famigerato regista e coreografo vincitore del Premio Oscar, Emmy e Tony Award, ha creato la sua tecnica distintiva che ha consacrato spettacoli come “Chicago”, “Pippin” e “Damn Yankees” come capolavori di danza. In tal modo, Fosse ha creato uno stile completamente nuovo, uno stile così singolare che ancora oggi viene insegnato ed è conosciuto come Fosse.

Uscirà anche in Italia il prossimo 18 aprile, sul canale Fox Life di Sky la serie televisiva “Fosse/Verdon”, basata sulla biografia del 2013 di Sam Wesson, con particolare attenzione al matrimonio e alla collaborazione tra Bob Fosse e Gwen Verdon.

Il libro va oltre i premi e le pietre miliari della carriera, per rivelare il motivo per cui il coreografo si è sentito in dovere di creare Musical che sfidassero le percezioni del pubblico. Con interviste a dozzine di collaboratori di Fosse, la biografia spiega cinque modi in cui il famoso regista-coreografo ha cambiato per sempre il ruolo degli ensemble musicali.

#1: Ha fatto dei piccoli movimenti la cosa più importante.
Quando Fosse è stato chiamato per salvare la messa in scena di “How To Succeed in Business Without Really Trying” nel 1961, ha riorganizzato la coreografia per renderla più modesta. Invece di usare passi di danza tradizionali, ha trasformato la canzone “Coffee Break” in un numero di dipendenza e astinenza, coreografando gli occhi e le dita degli attori. “L’ho portato all’estremo – dice Fosse nel libro di Wesson – trattando il caffè come se fosse una droga, come se la gente avesse bisogno di un caffè.” “Era come se stessimo ballando con le nostre mani e le nostre facce” ricordava Donna McKechnie, che era nell’ensemble originale. Questi tipi di micromovimenti sono ancora presenti oggi in Musical main stream, come ad esempio nella coreografia di Kelly Devine per “Come From Away”.

#2: Ha coreografato movimenti specifici per ogni ballerino.
Più che schemi e immagini, come era l’enfasi dei suoi predecessori, Fosse voleva prima di tutto coreografare le persone. In “How To Succeed”, ha chiesto a tutti gli attori, non importa quanto piccoli fossero i loro ruoli, di descrivere la vita personale dei loro personaggi, specificando le loro routine quotidiane e le relazioni con gli altri in ufficio, ha creato non solo un insieme ma “un corpo di ballo di individui”, secondo Wasson. La pratica è proseguita con “Sweet Charity” nel 1966, dove Fosse ha usato la sua esperienza nel circuito del vaudeville per individuare le donne in “Big Spender”. “Bob non ci ha mai trattato come un corpo di ballo – dice nel libro Kathryn Doby – Per Bob, eravamo tutti attori.” Questa tradizione continua oggi negli ensemble di “Mean Girls” e “SpongeBob SquarePants”, dove i creatori dello show hanno dato nomi e relazioni a ogni personaggio sul palco.

#3: Ha sovvertito le aspettative del pubblico.
“Chicago” si basava su un’opera teatrale con lo stesso titolo del 1926 di Maurine Dallas Watkins, ma Fosse non voleva che lo spettacolo sembrasse datato. Ha quindi utilizzato il linguaggio coreografico degli anni ’20 e alterandone il tempo. “Il Charleston, lo shimmy, il fondale nero erano pensati solo per dare loro un contesto, forme da decostruire”, dice Wesson. Fosse ha anche detto ai ballerini di eseguire questi movimenti con intenzioni più oscure, come spalmare strisce di sangue attraverso il cielo. Quando il pubblico ha visto questi movimenti familiari eseguiti in modi atipici, ha contribuito a rendere la storia più contemporanea e attuale. Più recentemente musical come “Bandstand” e “Hamilton” hanno fuso gli stili del movimento contemporaneo in trame storiche per farle diventare moderne.

#4: Ha accreditato ogni attore come protagonista.
Fosse ha messo in mostra ogni membro dell’ensemble nelle sue prime opere e poi ha costruito interi musical per esaltare i loro talenti. Questo desiderio giunse a pieno vigore alla fine degli anni ’70, quando iniziò a creare quello che sarebbe diventato il suo tour de force coreografico: “Dancin’”. Mentre “A Chorus Line” ha rotto gli schemi portando al centro dell’attenzione i ballerini, Fosse voleva concentrarsi sui danzatori stessi, non sui personaggi che stavano interpretando. Una volta lanciato, ha dato a ciascuno di loro un contratto principale di Actors ‘Equity al posto del consueto contratto da ensemble di ballerini e cantanti. Questa pratica è ora comune tra i cast di Broadway più piccoli, dove ogni attore in spettacoli minori come “Sunday in the Park with George” e “Into the Woods” è stato accreditato come ruolo principale.

#5: I suoi ensemble hanno contribuito alle sue coreografie.
Anche nei musical più tradizionalmente strutturati, Fosse ha caratterizzato i punti di forza individuali dei suoi ballerini. Quando ha creato il suo ultimo musical a Broadway, “Big Deal” nel 1986, ha fatto affidamento sugli impulsi coreografici dei suoi ballerini per sviluppare i passaggi. Da lì, avrebbe lavorato per perfezionare i loro movimenti in un’unica storia unificata. “Ci darebbe qualche idea – fumosa, anni ’30, discoteca a tarda notte, siamo clienti abitutali che si mettono in mostra – ricorda Diana Laurenson nel libro di Wesson – Tre giorni dopo sarebbe tornato e avrebbe detto “Mostrami quello che hai”, e ognuno di noi, come individuo, ha inserito la coreografia nel numero. Questo tipo di collaborazione è comune nelle prove e nei laboratori di pre-produzione, dove coreografi di spettacoli come “Newsies” hanno costruito la messa in scena attorno alle competenze e ai talenti dei loro membri originali della compagnia.

Oggi è il 19 Giugno 2019

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